Luca Sacchetti

Classe 1962. Romano, consegue gli studi classici per poi laurearsi in Economia. Art director per moda e pubblicità, docente. Artista, scultore, design. E si, Luca Sacchetti è tutte queste cose, e proprio mentre indossava colletti inamidati e cravatte, nel suo studio lavorava a quella che sarebbe stata la sua prima collezione di art design, Dreams, presentata a Milano nel 2004. Mostra fortunatissima ed itinerante esposta a Parigi, Londra e San Francisco. Dunque un richiamo subito internazionale, un'arte che si pone da subito per un gusto trans-nazionale che usa tutti gli stili perchè è con la storia dell'arte che dialoga, e nel dialogo si pone la ricerca.
Il partorire cose nuove ma leggibili e tuttavia capovolte. Sacchetti si confronta con la scultura di ispirazione anni 70, con il materismo di quegli anni ma rielabora con linguaggio proprio quel mix di intuizioni. E così nella pittura: stile fiammingo si mischia con l'impressionismo e insieme danno vita a qualcosa di nuovo, ad una ricerca che parte sempre dal dentro dell'artista. Pittura, scultura e design - dove la sua creatività è particolarmente originale - sono solo un mezzo come un altro per mettere al mondo le sue opere, che sono idee, concetti, riflessioni, aspirazioni. Sogni e incubi. E nel chiedere alla vita l'artista chiede anche a se stesso, si immortala sulla tela per guardarsi, studiarsi attraverso gli autoritratti sparsi li fra le altre tele. Perchè è la cura del particolare che conta in Sacchetti, il dettaglio che caratterizza l'opera. E le sue opere scoppiano di carattere.

D: Raccontaci delle impronte. Tracce, sogni, desideri o incubi?

R: Quando ho realizzato il ciclo chiamato le impronte ho pensato a un'epoca in cui la specie umana fosse estinta e, come per tutte le specie esistenti, si sarebbero rinvenute solo tracce o segni del nostro passaggio. In un epoca caratterizzata da un forte onnipotentismo umano, questi dipinti vogliono solo ricordare la caducità dell'esistenza.

D: II senso del nero?

R: Il nero come colore di un'epoca in decadenza. Il nero come colore non colore che dà e che toglie, nera come Madre Natura in De rerum Naturae di Lucrezio.

D: L'importanza della conoscenza della storia dell'arte - delle sue tecniche e delle sue tematiche - si risolve, nelle tue tele e nelle sculture, come un libero rimaneggiamento di significati e di materiali. Si avverte la necessità di un legame e tuttavia l'esigenza della rottura. Parlacene.

R: Si, nel mio modo di lavorare c'è un richiamo all'arte del passato ma anche una rottura con essa, quindi un occhio rivolto al futuro. La conoscenza del passato serve a vincere la paura del futuro ma il passato non deve precludere il futuro; in un'epoca di contaminazione e nostalgia, caratteristiche tipiche dell'era attuale, contamino e utilizzo vecchie e nuove tecniche per significare altro. A volte nel prendere formalmente a modello l'opera di altri artisti significo scenari ben meno ottimistici di quelli ipotizzati dall'autore originario. Attualmente sto studiando l'arte medievale e la interpreto alla luce degli accadimenti contemporanei. In pittura si risolve accostando il linguaggio della scuola senese con quello dell'espressionismo tedesco.

D: Il bacio, come titolo e come iconografia, ri-torna spesso nelle tue opere pittoriche, scultoree e di design. Le interpretazioni che variano o insieme a loro anche i possibili significati?

R: Il bacio vuole essere la metafora della tensione dell'uomo verso l'assoluto; il bacio è visto come compenetrazione e fusione, come l'estremo tentativo dell'uomo di esorcizzare la paura della paura; pur essendo un tentativo è tuttavia instabile ma in alcuni casi è proprio la sua instabilità a determinarne la stabilita. Occorre solo andare oltre l'apparenza delle cose. E purtroppo per la maggior parte delle persone apparenza è sinonimo di identità.

D: Il tuo approccio, l'uso e la manipolazione dei materiali appare come quello di un bambino che scopre e tocca il mondo per le prime volte. Entusiasmante e pieno di creatività, può darsi?

R: Si il mio approccio e proprio quello di un bambino! E molte volte rimango stupito di fronte a un dipinto o a una scultura che ho realizzato. La dimensione infantile nei confronti della vita mi e sempre appartenuta e forse dipende dal mio modo di vedere la vita: come una favola di cui non si conosce la pagina successiva.

D: La tua vita è stata piena e poliedrietica, dall'economia all'arte il passaggio sembra sia stato naturale, quasi come una liberazione. Ma tornano spesso le gabbie nelle tue opere. Fra prigioni mentali e di cemento, si avverte un senso di claustrofobia. E' lo stesso che vivi tu?

R: La gabbia è più un ricordo della mia vita passata che di quella presente. Nelle mie opere è in effetti ricorrente così come l'idea di una prigione mentale; la gabbia e il buco rimandano a vite senza coscienza o a vite-non vite, nel senso di non vissute o vissute in modo superficiale senza mai prendere coscienza del sé. Attualmente sto realizzando un ciclo dedicato alle monache di clausura.

Luca Sacchetti website:
www.lucasacchetti.com